Русское декоративно-прикладное искусство, народные промыслы – явления самобытные, не имеющие аналогов в мировой культуре.

Земля русская испокон веков славится своими мастерами, людьми, способными своими руками создавать и творить настоящую красоту.
Мы почти не знаем имен народных мастеров. Но история не предала забвению анонимных творцов декоративно-прикладного искусства — крестьян, сельских и городских ремесленников, чьим трудом и талантом созданы совершенные произведения. Свое мастерство они передавали от отца к сыну, от деда к внуку, буквально «из рук в руки». Из поколения в поколение отбирались и совершенствовались удачи и находки одних, выдумки и новшества других. Время отбрасывало все случайное, несовершенное, шлифуя и сохраняя только ценное и высокохудожественное. Так поиски и достижения отдельных мастеров соединялись в коллективной сокровищнице народного творчества, непрерывно пополняемой многими династиями ремесленников.
Украшая быт, произведения декоративно-прикладного искусства жили и умирали вместе с поколениями людей. В них отражалась эпоха, жизненный уклад, вкусы и идеалы людей определенного времени.
Как правило, народные мастера создавали вещи для себя и ограниченного круга односельчан. Использовали их в крестьянской семье и хозяйстве. Так делали многие предметы деревянной утвари, орудия труда, игрушки, ткани, вышивки.
Мастер вкладывал в изделие вето свою любовь и талант. Произведения декоративно-прикладного искусства порой наивны, но искренни и простодушны. В них выражена мудрая простота взглядов, дум, чувств и чаяний народа.
Народные промыслы — это именно то, что делает нашу культуру богатой и неповторимой. Расписные предметы, игрушки и изделия из ткани увозят с собой иностранные туристы в память о нашей стране. Почти каждый уголок России имеет собственный вид рукоделия, и сегодня мы расскажем вам о самых ярких и известных из них.
Абашевская игрушка из глины традиционно изготавливалась мастерами села Абашево Пензенской губернии. Свистульки предназначались для детских игр, однако в то же время уже с тех пор абашевские игрушки обладали мистической функцией – функцией оберега.
Традиционно мастера-гончары производят глиняные игрушки-свистульки такого размера, чтобы они помещались на ладони. Кроме того, существуют и устойчивые мотивы подобных изделий: домашние и дикие животные, городовые, офицеры, барыни.
Начало истории абашевской игрушки относится к девятнадцатому веку, когда на базе гончарного ремесла возникло производство игрушки. Затем в начале двадцатого века происходило угасание гончарного промысла вследствие возникновения кустарных производств посуды. Приблизительно в тот же период наблюдается выделение игрушки в самостоятельный промысел. Интересно, что в истории абашевской игрушки упоминается, что в производстве были задействованы преимущественно мужчины.
В конце двадцатых годов двадцатого века абашевская игрушка приобретает большую известность благодаря талантливому мастеру из села Абашево Лариону Зоткину. Ларион Зоткин стал популярным как автор целого ряда причудливых игрушек в виде животных: львов, собак, медведей. Ремесло абашевской игрушки процветает и в настоящее время.
Абашевские игрушки традиционны: испокон веков принято создавать образы домашних животных, птиц, оленей, барынь, всадников. Однако каждому мастеру свойственно пропускать эти образы через себя, вкладывать в фигурки частичку своей души. Примечательно также, что для лепки абашевской игрушки используется особая глина – лечебная. Именно поэтому абашевские игрушки снимают состояния тревожности, стрессов, оберегают их обладателей от дурного воздействия темных сил.
Чудесная Абашевская игрушка не оставляет равнодушным никого. Лучшее доказательство этому стихи.
Чудо звери, чудо – птицы
Скачут, прыгают, поют,
Рядом барыни неспешно,
Словно с ярмарки идут.
Здесь от ярких красок пестро,
Здесь фантазии полет!
Мастер с глиною колдует,
В руки он комок берет,
Разминает, греет, лепит.
И из-под волшебных рук
Птица - модница возникла,
Рядом с ней запел петух.
И пространству стало тесно
В этой ауре добра;
Ведь игрушка- это детство,
Радость, свет и красота!
Богородские игрушки: пёстрые деревянные курочки на подставке, фигурки кузнецов, мужика и медведя, - потяни за планку, и они застучат молоточками по маленькой наковальне... Забавные игрушки, известные на Руси с незапамятных времен, стали основным народным промыслом для жителей подмосковного села Богородское, расположенного в Сергиево-Посадском районе Московской области. В XV веке селом владел известный московский боярин М.Б. Плещеев, после смерти которого, село вместе с крестьянами перешло по наследству его старшему сыну Андрею, а затем внуку Федору.
С 1595 года село Богородское становится собственностью Троице-Сергиева монастыря, а крестьяне – монастырскими крепостными. Именно крестьяне заложили в XVI-XVII веках основы резьбы по дереву, прославившей Богородское– нынешнюю «столицу игрушечного царства», на весь мир.
Традиционная богородская игрушка - это неокрашенные фигурки людей, животных и птиц из липы, композиции из жизни русского крестьянина. Символом промысла до сих пор считаются “мужик и медведь” в различных сюжетных постановках, первой из которых стала подвижная игрушка “Кузнецы”.
Богородские игрушки по традиции делают из мягких пород дерева – липы, осины, ольхи, так как с мягким деревом легче работать. Заготовленные бревна липы по специальной технологии просушиваются не менее 4 лет, поэтому заготовка липы представляет собой непрерывный процесс. Просушенные бревна пилят и отправляют на зарубку. Полученные заготовки мастер размечает по лекалу и затем вырезает игрушку специальным богородским ножом. В работе резчика используется и стамеска. Готовые детали игрушки отправляются в цех сборки, а на заключительном этапе их раскрашивают. Игрушки, не подлежащие раскраске, покрывают бесцветным лаком.
Содержание игрушек разнообразно - это сюжеты сказок, басен, спорт и космос, и все они - игрушки-шутки. Традиционным образом является медведь, он выступает в роли спокойного, доброго и смешного зверя то с корзиной грибов или малины, то с гармонью, а то и обманутый хитрым мужиком. Все игрушки сделаны с тонким юмором.
Мастера богородской игрушки удивительно чувствуют пластику формы и очень лаконично передают ее. В игрушках-шутках нет ничего лишнего, кроме того, в них точно передана динамика.
Вологодское кружево – особенное явление в народном искусстве Русского Севера. Богатство и разнообразие узоров, чистота линий, мерные ритмы орнаментов, высокое мастерство – таково его художественное своеобразие. О вологодском кружеве сложены стихи и песни, созданы фильмы. Известное по всему миру, оно олицетворяет славу русского кружева.
Слово «кружево» происходит от «окружать», украшать нарядной отделкой края одежды и других предметов из тканей. Кружевоплетение было известно на Руси издавна. Им занимались женщины всех сословий. Платье царей, князей и бояр украшало кружево из золотых, серебряных и шелковых нитей; в народной одежде использовалось кружево из льняной пряжи, а с конца XIX века – из хлопчатобумажных нитей.
Откуда пришёл на нашу землю этот дивный промысел - загадка. Разные исследователи дают различные, зачастую противоречивые, ответы на этот вопрос. Голландия, Германия и даже далёкая Испания могут претендовать на звание прародителей Вологодского кружева. Да и не так уж важно, чей корабль первым привез в Россию первое драгоценное кружево. Вот уже два с лишним века вологжанки превращают нитки в снежинки, цветы, узоры, замысловатые орнаменты - иногда кажется, что вещь просто скопировали с зимнего, расписанного морозом окна. Правда, двести лет назад плели кружева в основном из золотых да серебряных нитей для княжеских и церковных одежд. Кованое, плетеное, шитое, пряденое, волоченое, низаное, саженное жемчугом... Это столько, значит, существовало способов их изготовления. И «нигде мы не находим такого богатства и разнообразия материалов для кружев, как в России. Употребляли волоченое золото и серебро, пряденное с шелком, золотую и серебряную нить или канитель и различные блестки, звездочки и прочее. Были кружева саженные и низанные жемчугом и перьями, и пухом, и горностаем...».
Сначала подражали Западу. Однако спустя время, завиток за завитком, выплели северные мастерицы свой особый узор, «отпочковались» от мирового кружевоплетения. Замечательной особенностью русского кружева было и то, что оно всегда разделялось на заимствованное, для знати, и свое – народное.
В деревнях мастерицы-кружевницы начинали заниматься плетением с ранних лет. Взрослая кружевница получала в год 20 рублей. По тем временам деньги вполне приличные. Достаточно вспомнить, что в конце XIX века килограмм масла стоил 50 копеек, а мясо – всего 14 копеек за килограмм. Впрочем, мало кто в ту пору плел на продажу. Все больше для себя или в подарок. Если же кружевная косынка доставалась девушке в наследство от матери или бабушки, то свою работу можно было и продать, получив за нее кованые посеребренные сережки, дюжину веретен, а может, еще и пару хороших гребенок.
Вологодское кружево обладает особой самобытной красотой. На развитие орнаментального искусства кружева большое влияние оказали узоры резьбы по дереву, орнаменты ткачества, старинные вышивки, особенно ажурная вышивка «вологодское стекло» с разнообразными «снежинками» и «паучками» на сквозных фонах. Эта вышивка в основном бытовала в Вологодском уезде, и именно на этой территории промысел развивался особенно интенсивно.
Орнамент вологодского кружева характеризуется мягко-изогнутыми плавными линиями рисунка, он всегда графически чёткий, ритмичный и может состоять из геометризированных фигур или растительных обобщенных форм. В растительных узорах преобладают мотивы из гибких ветвей с петлеобразными листьями, трилистниками, круглыми или вытянутыми лепестковыми и лапчатыми цветами, веерообразными мотивами, подковообразными фигурами. Композиции часто строятся из зеркально симметричных мотивов, придающих кружеву строгость и особую статику.
Гжель - это название живописного подмосковного региона, что в 60-ти километрах от Москвы. Слово «гжель» сегодня невероятно популярно. С ним ассоциируется красотой гармония, сказка и быль. Фарфор с нарядной синей росписью и многоцветная майолика известны теперь не только в России, но и за ее пределами. Гжельские изделия привлекают к себе всех, кто любит прекрасное, богатой фантазией и гармоничностью, высоким профессионализмом их создателей. Гжель - это колыбель и основной центр русской керамики. Здесь сформировались ее лучшие черты и проявились высшие достижения народного искусства.
Сколько же лет этому русскому народному промыслу? Археологические исследования на территории Гжели подтверждают существование здесь гончарного ремесла с начала XIV века.
На протяжении столетий гжельские крестьяне изготавливали предметы оптового обихода, изразцы, черепицу. Со второй половины XVIII века она прославилась выпуском майоликовой посуды. Это были изделия из цветных глин с яркой многоцветной росписью по белой эмали. В XIX веке гжельские мастера изобрели новый для себя материал и новую технологию: выпускали полуфаянс, затем фаянс и, наконец, фарфор. Особый интерес представляли изделия, расписанные в один цвет - синей краской, наносимой кистью, с графической прорисовкой деталей. Выпуском фарфора и фаянса занимались многочисленные мелкие заводы и крупные предприятия.
Конец XIX - начало XX веков стали периодом глубокого кризиса. Казалось, гжельское искусство погибло навсегда.
Послевоенное время связано с началом возрождения промысла и поиском своего образного языка. Для этого потребовались годы кропотливой и неустанной работы, обучение новых мастеров. В результате это привело к успеху.
1972 году создано объединение "Гжель", на основе шести маленьких производств, расположенных в нескольких деревнях. Творческие группы разрабатывали новые образцы. Были созданы полностью новые формы изделий. Живопись стала более богатой, и выполняет художественные требования существующего дня.
Сегодня объединение "Гжель" - современное предприятие, в состав которого входят 6 производств с персоналом, состоящим из 1500 высококвалифицированных рабочих.
Гжель - это вазы, статуэтки, игрушки, изделия интерьера: камины, люстры и другие фарфоровые изделия. Продукты "Гжели" пользуются устойчивым спросом на Российском и международном рынке.
Гжель – это композиция народного искусства и художества. В производстве фарфора Гжель следует за старыми российскими традициями в искусстве народа. Мастера Гжели расписывают каждое изделие только вручную. У Гжели собственный стиль – синие и голубые узоры и цветы, украшения на белом фоне. Роспись производится кобальтом, который в ходе технологического процесса приобретает характерный для Гжели синий цвет.
Городецкая роспись. На левом берегу Волги, чуть выше Нижнего Новгорода, раскинулось большое село Городец, основанное еще в XII веке. Для торговли места по берегам Волги были выгодные: рядом Макарьевская, крупнейшая в России, ярмарка. Среди населения стали быстро развиваться разные ремесла; в самом Городце были и кузнецы, и пряничники, и красильщики. Особенно же много было плотников и резчиков по дереву: лес давал дешевый материал, сбывали изделия в самом городе или на ярмарке.
Промыслом занимались крестьяне всех окрестных деревень вокруг Городца: одни вырезали ложки, другие точили миски и чашки, а третьи изготовляли орудия труда для прядения и ткачества. На заволжских землях хорошо родился лен, женщины пряли нитки и ткали холсты на продажу, поэтому резчикам и живописцам работы хватало.
За короткий промежуток времени художники в совершенстве овладели живописным мастерством. Хотя изображения сохраняют в основном плоскостной характер, вместо светотени все большую роль начинают играть переходные оттенки и оживки. Меткость и гибкость линии, тонкость штриха, уверенность и легкость мазка порой граничат с виртуозностью.
Изделия небольшого размера (солонка, сундучок для детских игрушек), как правило, расписаны растительными узорами, в которых белыми штрихами разделаны цветок розы, листья, ветки, оперение птиц. В декоративных панно сюжет чаще всего развертывается то в два-три яруса, то в нескольких сценах, то в единой декоративной картине. Люди изображаются в костюмах, сохраняющих черты одежды прошлого столетия. Если действие происходит внутри здания, то интерьер помещений напоминает какую-то старинную архитектуру с причудливыми колоннами, арками, а свободное пространство заполняется растительными орнаментами. Все создает впечатление праздности, нарядности от контрастов красок и от фантазии.
Сегодня традиционный народный художественный промысел "Городецкая роспись" развивается в исторически сложившимся центре возникновения, как искусство оформления плоских поверхностей. Не нуждающаяся в термообработке роспись позволяет мастерам использовать самые разнообразные формы, цвета, оттенки. Богатство ее палитры беспредельно и вот уже 60 лет мастера фабрики "Городецкая роспись" сохраняют и развивают традиции народного художественного промысла.
Городецкая роспись символична. Конь в ней - символ богатства, птица - символ счастья, а цветы - здоровья и процветания в делах. Сюжетами старинной городецкой росписи были всадники на конях, барышни в кринолинах, свадьбы, застолья, чаепития и другие торжественные сцены из жизни горожан. Но от того что изображалось все это крестьянскими художниками, создался чрезвычайно своеобразный стиль росписи, в котором помпезность и вычурность городских элементов наивно перемешаны с простодушием и искренностью, свойственными простому народу.
Городецкая роспись необычная,
Композиция здесь симметричная.
В букеты собраны цветы необычной красоты.
Рисунки яркие мерцают,
Оживка белая их оживляет.
Городецкая роспись. –
Знает каждый молодец,
Чем прославлен Городец,
Знает каждый мальчуган
Про купавку и розан.
В росписи у мастеров,
Много красочных цветов.
Самый яркий и прекрасный,
Это цвет, конечно (красный).
Можешь цвет найти любой:
Синий, желтый (голубой).
Нарисуем кистью ловко
Для цветов два подмалевка.
После замысел свой смелый,
Оживим мы краской (белой).
Можно в сказке очутиться,
И цветы здесь есть и (птицы).
Мы сегодня будем с вами
Просто чудо-мастерами.
Доски чем украсить знаем,
И к работе приступаем.
Дымковская игрушка издавна существует в слободе Дымково (ныне на территории города Киров). Дымковский промысел — уникальное явление русского народного искусства, пришедшее к нам из глубины веков. Считается, что возник он в XV–XVI веках в слободе Дымково на низком правом берегу реки Вятки возле города Хлынова-Вятки. Именно там развилась и сложилась потомственная традиция изготовления глиняной игрушки по женской линии, передаваемая от матери к дочери. Здесь, в слободе, в XIX веке жили и работали от 30 до 50 семей игрушечниц.
Дымковскую игрушку лепят из глины, обжигают и по грунту раскрашивают темперой, включают сусальное золото. Изображает животных, всадников, дам в кринолинах, сказочные, бытовые сцены. Художественное своеобразие Дымковской игрушки определяется массивной лаконичной пластикой, подчеркнутой гармоничной декоративной росписью в виде крупного геометрического орнамента (разных цветов круги, клетки и др.).
Дымковская игрушка - самый известный из глиняных промыслов России. Она отличается предельно простой и ясной пластической формой, обобщенностью силуэта, яркой орнаментальной росписью по белому фону.
В образах краснощеких барынь, кормилиц, лихих всадников, сценах чаепитий, ярмарочных гуляний, веселых каруселях продолжают жить трехсотлетние традиции дымковского искусства, бережно сохраняется архаика древних образцов.
Дымковская вятская игрушка давно стала народной скульптурой. Отличие этого художественного промысла от других народных промыслов России состоит в том, что каждая игрушка - это авторская творческая работа мастериц ручной лепки и росписи, и существует в единственном экземпляре. Традиционно промысел дымковской игрушки не имеет серийного поточного производства.
Игрушки эти очень просты. В фигурке барыни выделяется голова в кокошнике да юбка - колокол с передником. Наездник может быть не только на коне, но и на козле, свинье или петухе. Корова, баран, козел очень похожи между собой, а отличаются друг от друга только формой рогов. Роспись дымковской игрушки нарядна и декоративна. На белом фоне очень ярко сверкают малиновый, синий, зеленый, желто-оранжевый цвета.
В Дымкове, над Вяткою-рекою,
Драгоценный продолжая труд,
Не ища на старости покоя,
Мастерицы славные живут.
Красная за окнами калина,
Пароходный движется дымок.
На столе еще сырая глина,
Грубый, неоформленный комок.
За своей работою старушка
На скамейке низенькой сидит.
Глиняную вятскую игрушку
Лепит… нет, не лепит, а творит!
Хороша игрушка расписная!
Вся поет, бесхитростно светла,
И видна в ней радость молодая
Ставшего искусством ремесла.
Жостовские подносы – это картины. Когда смотришь на них, то, не зная всех технологических нюансов, всегда отмечаешь три вещи: буйные краски, бархатные цветы и сочную зелень.
История жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) -Жостове, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Первым лакировальным заведением в Подмосковье была фабрика купцов Коробова-Лукутиных, основанная в конце XVIII века в селе Федоскине, в 7 км от Жостова. Жостово стало своеобразным центром промысла лаковой живописи на металлических подносах. Творцами красочных, в основном, цветочных орнаментов были простые русские крестьяне. Они принесли в лаковую живопись яркую жизнерадостность красок, простоту и доходчивость образов, меткость характеристик, четкость рисунка.
Главная тема украшения жостовских подносов - букеты цветов, гирлянды, своеобразные натюрморты. Роспись выполняют приемами свободного кистевого мазка, без предварительного нанесения рисунка. Чаще всего используется черный фон. Объемы цветов и листьев как бы вырастают из глубины фона. Это делают путем постепенного перехода от темных тонов к более светлым. В росписи как будто оживают цветы.
Современная технология изготовления подносов мало отличается от применявшейся ранее мастерами деревни Жостово. Тонкий лист железа прессуется в нужной форме, для придания жесткости края подноса завальцовываются, выравнивается поверхность. Лицевая поверхность подноса грунтуется и шпатлюется, а затем ошкуривается и покрывается черным (реже иного цвета) лаком. Подносы просушиваются в печах при температуре до 90 градусов c. Покрытие производится трижды, после чего цветная поверхность подноса приобретает блеск. Подготовленные от руки, без трафаретов подносы расписываются масляными красками, причем мастер-живописец работает одновременно над несколькими подносами с одинаковым орнаментом. Вначале он делает подмалевок, затем накладывает тени, прописывает светлые места, а потом связывает крупные цветы с более мелкими элементами узора - травами, стеблями и т.п.
Кто смел раскинуть на подносе
такие яркие цветы?
В своем бесхитростном вопросе
едва ль ответ не спрячешь ты:
Смел – смелый,
смелая – сумела.
Из-под руки, как ветерки,
как стая ласточек, взлетела,
разбрасывая лепестки,
кипень цветочная.
И странно –
она напомнила на миг,
как возникает из тумана
давно готовый к жизни стих:
то восклицаньем,
то вопросом,
то в полумраке,
то в огне,
то звонким жостовским подносом
вдруг полыхнет на белизне.
Матрешка - круглолицая и полненькая веселая девушка в косынке и русском народном платье покорила сердца любителей народной игрушки и красивых сувениров по всему миру.
Сейчас матрешка — не только народная игрушка и хранительница русской культуры, это памятный сувенир для туристов, на фартучке которой тонко прорисованы игровые сценки, сюжеты сказок и пейзажи с достопримечательностями. Матрешка стала драгоценным объектом коллекционирования.
Первая русская матрешка появилась в конце XIX века, тем не менее она снискала небывалое признание как один из всеобъемлющих образов России, символ русского народного искусства. Предшественницей и прообразом русской матрешки стала фигурка добродушного лысого старика, буддийского мудреца Фукурумы, в которой находилось еще несколько фигурок, вложенных одна в другую. Привезена эта фигурка была с острова Хонсю. Японцы, кстати, утверждают, что первым на острове Хонсю такую игрушку выточил безвестный русский монах.
Русскую деревянную разъемную куклу назвали матрешкой. В дореволюционной провинции имя Матрена, Матреша считалось одним из наиболее распространенных русских имен, в основе которого лежит латинское слово "mater", означающее мать. Это имя ассоциировалось с матерью многочисленного семейства, обладающей хорошим здоровьем и дородной фигурой и по сей день, матрешка остается символом материнства, плодородием, поскольку кукла с многочисленным кукольным семейством прекрасно выражает образную основу этого древнейшего символа человеческой культуры.
Первая русская матрешка, выточенная Василием Звездочкиным и расписанная Сергеем Малютиным, была восьмиместной: за девочкой с черным петухом следовал мальчик, затем опять девочка и так далее. Все фигурки отличались друг от друга, а последняя, восьмая изображала спеленатого младенца.
Технологию изготовления матрешки российские мастера, умевшие вытачивать деревянные предметы, вкладывающиеся друг в друга (например, пасхальные яйца) освоили с легкостью. Принцип изготовления матрешки остается неизменным и до настоящего времени, сохраняя все приемы токарного искусства русских умельцев.
Традиционным материалом для изготовления матрёшек служат породы лиственных деревьев, поскольку они наиболее просты в обработке. Чаще всего мастера используют липу, в качестве красок для росписи берут цветную гуашь, тушь, а также анилиновые краски. Защищает уже готовое изделие воск для обработки дерева либо прозрачный лак на масляной основе.
До конца 90-х годов прошлого века матрешки вытачивали и расписывали в московской мастерской "Детское воспитание", а после ее закрытия в подмосковном Сергиевом Посаде, старинном центре по изготовлению игрушек. По приданию, первую "троицкую" игрушку вырезал настоятель Троицко-Сергиева монастыря Сергей Радонежский, основанного в 1340 году.
Первые матрешки своими формами и росписью фиксируют пеструю разнообразную жизнь девушек в русских сарафанах с корзинами, серпами, букетиками цветов либо в зимних полушубках с шалью на голове; жениха и невесту, держащих свечи в руках; пастушка со свирелью; старика с окладистой бородой. Иногда матрешка представляла собой целую семью.
Благодаря огромной популярности матрешки, в России стали возникать новые центры по ее изготовлению и росписи. Теперь не только Сергиев Посад славился изготовлением игрушек, но и город Семенов в Нижегородском крае. Знаменитая семеновская матрешка отличается от матрешек других центров своей многоместностью, в нее вкладывают до 15-18 кукол. Именно в Семенове была выточена самая большая 72-местная матрешка, диаметр которой 0,5 метра, а высота 1 метр. Своеобразны и семеновские парные матрешки-футляры "Русский молодец" и "Русская красавица".
Полховский Майдан - еще один центр по изготовлению и росписи матрешек, расположенный на юго-западе Нижегородской области. Основной элемент полховско-майдановской матрешки - многолепестковый цветок шиповника ("роза"), рядом с которым может быть полураскрытые бутоны на ветках.
В находящимся неподалеку селе Крутец роспись матрешек отличается тяготением к экспериментам. Это относится не только к характеру росписи, но и к самой форме изделия.
Вятская матрешка наиболее северная из всех российских матрешек. Особое своеобразие вятская расписная деревянная кукла получила в 60-е годы, когда матрешку стали не только расписывать анилиновыми красками, но и инкрустировать соломкой.
В 1900 году русская матрешка экспонировалась на Всемирной выставке в Париже, где получила медаль и мировое признание.
Оренбургский пуховый платок Основы прикладного искусства, благодаря которому Оренбург стал известен всему свету, заложили казацкие женки еще в конце XVII века, когда русские первопроходцы, закрепившись на Урале, вступили в торговые отношения с местным населением.
Суровый климат здешних мест требовал одежды теплой, но легкой. Казачки легко переняли у казахов и калмыков рукоделье из козьего пуха. Только манера вязания у степняков была сплошной, а яицкие женки стали применять русские кружевные орнаменты.
В XIX веке платки из козьего пуха становятся популярными во всей Европе. Оренбургская мастерица Мария Ускова в 1862 году была награждена медалью Международной выставки в Лондоне.
Всемирное признание оренбургские платки получили на выставках в Париже, Чикаго, Брюсселе и других городах мира. Посетителей неизменно восхищали белые ажурные паутинки, которые умещались в скорлупе гусиного яйца, свободно проходили через обручальное кольцо, весили 250-300 граммов и грели не хуже свитера.
Искусство вязания пуховых платков живо и поныне. Оренбургские мастерицы все плетут и плетут из тончайшей нити старинные узоры - снежинки, кошачьи лапки, лучики, деревчики, змейки, малинки... Платки эти широки, как степные просторы, теплы, как сердце матери, легки, как дыхание девушки.
Славой своей оренбургский пуховый платок обязан не только талантливым мастерицам-вязальщицам, но и качеству исходного материала - козьего пуха.
Километрах в трехстах к востоку от Оренбурга находятся Губерлинские горы. Там-то в основном и обитают ценные пуховые козы.
Зимой здесь яркое солнце, ядреный морозный воздух, студеные метели... И чтобы защититься от зимних ветров и немилосердно жаркого лета, вырастили козы на боках своих мягкий подшерсток. Он эластичен, легок, нежен, у него низкая теплопроводность. Тонкий и шелковистый, как пух лучших кроликов, по крепости и растяжимости он превосходит знаменитую мериносовую шерсть.
Есть предположение, что пуховая коза перекочевала в Оренбуржье с Гималайских гор через киргизские степи. Тут и прижилась.
Многие страны пытаются развести оренбургских коз и наладить производство изделий из пуха. Но не прижились они ни в Англии, ни на прекрасных пастбищах Южной Америки. Еще в начале прошлого века французы закупили стадо кашмирок, как называли тогда оренбургскую породу, и так хорошо ухаживали за ними, что козы отъелись, начали плодиться и... безнадежно терять свои пуховые качества. Оказывается, не на благодатных лугах, а лишь в суровых родных горах, продуваемых всеми ветрами, зреет этот уникальный пух.
Оренбургский пуховый платок - это не только своеобразный символ, "визитная карточка" Оренбуржья, это история русской культуры, обрядов и традиций, это память человеческого сердца.
В настоящих оренбургских платках пуховая нитка, предварительно отдельно спряденная, ссучивается с шелковой. Поэтому пуховые завиточки умело закрепляются шелком, что и позволяет носить такие платки помногу лет.
ПАВЛОПОСАДСКИЙ ПЛАТОК
Павлопосадские платки - яркие и легкие, женственные всегда модны и актуальны. И сегодня оригинальные рисунки дополняются различными элементами вроде бахромы, создаются в разных цветовых гаммах и остаются прекрасным аксессуаром практически к любому образу.
Павлово-посадские набивные, шерстяные и полушерстяные платки, украшенные традиционным красочным набивным орнаментом, возникли в подмосковном городе Павловский Посад в 1860-80-х гг. Район Павловского Посада (территория бывшего Богородского уезда) - один из старейших российских текстильных центров. В 18 - первой половине 19 вв. богородские платки и сарафанные ткани отличались особой красотой вытканного золотной нитью орнамента. Позднее здесь широко распространилось шелкоткачество, а с 1860-х гг. начался выпуск шерстяных и полушерстяных платков, украшенных красочным набивным орнаментом. Постепенно производство разрасталось и приобретало ярко выраженный национальный характер.
Композиционное и цветовое великолепие павловского платка основано на виртуозном мастерстве резчиков набойных досок, с которых печатается на ткани рисунок, а также мастерстве колористов-набойщиков. Каждый цвет печатается с отдельной доски, число которых достигает подчас нескольких десятков. В декоре павловских платков преобладают пышные цветочные букеты и гирлянды. По-прежнему популярен орнаментальный мотив "турецкие огурцы", заимствованный у знаменитых индийских кашемировых шалей, ставших модными в Европе в наполеоновскую эпоху. Преобладает молочно-белый, черный, красный, темно-синий, вишневый фон.
На протяжении 1920-30-х гг. в Павловском Посаде выпускались преимущественно хлопчатобумажные ткани с набивным и печатным узором. Искусство нарядного набивного шерстяного платка было возрождено в послевоенные годы, когда стала активно применяться ручная набойка. Однако с конца 1950-х гг. ручное производство стало постепенно вытесняться современными печатными машинами и техникой фотопечати, и в настоящее время платков ручной набойки на Московском платочном объединении в Павловском Посаде вырабатывается немного.
Палехская миниатюра — это особое, тонкое, поэтичное видение мира, которое свойственно русским народным поверьям и песням.
Палех - так называется село в Ивановской области. Но «Палех» - это ещё и удивительно красивый, знаменитый на весь мир русский народный промысел. С допетровских времён Палех славился своими иконописцами. Кроме иконописи, палешане занимались монументальной живописью, участвуя в росписи и реставрации церквей и соборов, в том числе Грановитой палаты Московского Кремля, храмов Троице-Сергиевой лавры, Новодевичьего монастыря.
После революции 1917 года художники Палеха были вынуждены искать новые формы реализации своего творческого потенциала.
В 1922 году по инициативе художника Ивана Голикова в Палехе была создана артель по производству сувенирной продукции. А уже через два года работы палехских мастеров, выставленные в Венеции, произвели настоящую сенсацию в центре мирового искусства.
Сюжеты для своих композиций художники и по сей день черпают из народного фольклора: былин, песен, сказок. Особенно любят в Палехе рисовать по мотивам произведений А.С. Пушкина и П.П. Бажова.
Палехская роспись не имеет аналогов во всем мире. Она выполняется на папье-маше и только потом переносится на поверхность шкатулок всевозможных форм и размеров.
Палехские лаковые миниатюры пишутся на изделиях - шкатулках, баульчиках, пластинах, брошах, пудреницах, - изготовленных из папье-маше. Отличительными чертами палехской школы являются: миниатюрное письмо; общий мягкий тон письма; многообразие элементов композиции и их живописность; узорчатость палатного письма; разнообразие радужных сияний; вписание гор остроконечными лещадками; деревья с натуральной листвой; удлинeнность фигур подобно строгановским; тонкость плави голов и обнажeнных частей фигур; пробелы краской, широкие и светлые, с резкой и очень тонкой белой оживкой, а иногда золотом "в полуперо"; фоны разных тонов (вплоть до золотых).
Так же, как и много веков назад, палехское письмо требует от художника огромного труда, мастерства, фантазии и времени. Сначала поверхность коробочки или шкатулки покрывают тонким слоем темперных красок, благодаря чему достигается лёгкость и прозрачность позднее нанесённого рисунка. Краски изготавливаются на основе специальной эмульсии, состоящей из яичного желтка и уксуса. Этот рецепт известен ещё со времён Византии. Его использовали для того, чтобы цвета были яркими, а сама роспись - прочной.
Палехская роспись - это радуга красок на чёрном фоне. Рисунок лёгкий, изящный, с плавными округлыми линиями. Но на этом работа мастера не заканчивается. Следующая стадия - украшение изображения золотом. Золото, как и все другие краски, каждый художник готовит для себя сам. Тончайшие листы сусального золота перетираются со специальным составом пальцами. Золотая штриховка бывает иногда настолько тонкой, что наносят её, работая с увеличительным стеклом! Потому и кисточки используют особенные, тоже самодельные. Когда миниатюра готова, её обрамляют сложным золотым узором.
Хохлома - старинный русский народный промысел, возникший в 17 веке в Заволжье (селе Семино Нижегородской губернии). Это, пожалуй, самый известный вид русской народной живописи. Он представляет собой декоративную роспись по деревянной посуде и мебели, выполненную красным и черным (реже зеленым) тонами и золотом по золотистому фону. Удивительно то, что при выполнении росписи на дерево наносят не золотой, а серебристый оловянный порошок. Потом изделие покрывают специальным составом и три-четыре раза обрабатывают в печи. Тогда и появляется этот восхитительный медово-золотой цвет, благодаря которому легкая деревянная посуда кажется массивной.
Традиционный хохломской орнамент - сочные красные ягоды земляники и рябины, цветущие ветки. Реже встречаются птицы, рыбы и всякие зверушки.
Первоначально слово Хохлома означало название одной из торговых деревень. Сюда мастера из окрестных деревень приносили свои изделия. Это было время возрождения России, наступившего после освобождения от опустошительного татаро-монгольского ига, время обновления храмов и церквей. Местные леса дали приют бежавшим от своих хозяев крестьянам и староверам. Эта земля была бедна, и народные промыслы стали новым источником существования. Новый промысел объединил вековые традиции местных жителей и беженцев, особенно староверов.
Народный промысел развивался постоянно. Уже в конце 19 века хохлома была представлена на каждой отечественной и иностранной ярмарке. И после небывалого успеха на Международной выставке в Париже экспорт хохломы резко вырос в различные страны. Особенно много покупали торговые фирмы Германии, Англии, Франции и Индии. Даже один из немецких предпринимателей взялся за производство деревянных ложек, которые выдавал за хохлому. С началом 20 века народные промыслы пережили кризис, вызванный Мировой и гражданской войнами. Из-за этого многие мастера лишились заказов и закрыли свои мастерские. В советское время хохлома получила второе дыхание, появилось новое поколение мастеров. И теперь Хохлома "возвращается" к нам в Россию и мир.
Хохлома ты моя золотая,
Твой характер цветист без прикрас,
Над Россией жар-птицей взлетая,
Ты волнуешь придирчивый взгляд.
Чтоб светлели суровые лица,
Украшай вдохновенно дома,
Чудодействуй в веках, мастерица,
Золотая моя Хохлома!
Приданое Хохломы
(Фрагменты)
Девчата хохломские, мастерицы, -
Какое зелье вы изобрели,
Чтоб сердцу снова трепетно забиться
От влажного дыхания земли?
Зачем, склонясь над миской деревянной,
Над липовою ложкой расписной,
Прилив страстей я чувствую нежданный,
И жар любви овладевает мной?
Затем, что в каждом хохломском предмете,
В изделье мастеров заволжских мест
Живет весенних красок разноцветье -
Приданое семеновских невест.
Узоры сказочнойкудрины,
В певучем дереве звеня,
Как нежной трелью соловьиной,
Чаруют ласково меня.
И, как живые, листья клена
Прильнули к донышку ковша,
Чтоб, став по-майски окрыленной,
Не знала осени душа.
А вспышки зрелой земляники,
Чуть затемненные листвой,
Горят, как пламенные блики
Поэзии, вовек живой!
Трав золотоемноголучье
По рдяной вышито канве -
Да так, что не придумать лучше
Самой зеленой мураве.
И этот русский колдовской орнамент
На чаше, что сейчас держу в руках,
Мне берег Волги приведет на память -
В прозрачных росах, травах и цветах.
Я чашу подниму с вином багряным
За те луга, озера и холмы,
Где всходят зори огненным приданым
Искусниц и красавиц Хохломы.
#БиблиотекиНовошахтинска