С незапамятных времен на Руси в жизни русского народа важное место занимала особая форма творчества — «промысел» или «промыслы». Она сочетала производство повседневных предметов быта с высокохудожественными способами их изготовления и украшения. В русских промыслах отображается все многообразие исторических, духовных и культурных традиций нашего народа, некоторые из которых зародились столетия назад. Изделия русских промыслов выражают отличительные черты и неповторимость русской традиционной культуры. Народные промыслы — это именно то, что делает нашу культуру богатой и неповторимой. Расписные предметы, игрушки и изделия из ткани увозят с собой иностранные туристы в память о нашей стране. Почти каждый уголок России имеет собственный вид рукоделия, и мы постараемся рассказать о самых ярких и известных из них.
Слово «ремесло» произошло от латинского «ремес» (плотник) и обозначало разные виды ручных работ. Промыслы — от «промыслить», то есть, подумать. В толковом словаре Даля «ремесло» объяснялось, как "умение, коим добывают хлеб, промысел, требующий по большей части телесного, чем умственного труда". Ремесло превращалось в промысел, когда мастера начинали создавать предметы по заказу и на продажу. Промысел погибал, если не приносил дохода, как это и случилось с внедрением фабричного производства. Навыки ремёсел и промыслов передавались из поколения в поколение, оттачивались, постепенно достигая оптимального состояния для получения недорогой продукции, приемлемого для нужд местных потребителей. Деревни дореволюционной Руси и до периода «укрупнения» послевоенного периода ХХ-го века, были часто совсем небольшими. 5-10 дворов — уже деревня. При таком расселении типичным было развитие промыслов и ремёсел «по деревням». То есть в одном поселении жили гончары, в другом плотники, в третьем портные и так далее. А обмен продукцией производился на ближайшем рынке натуральным образом или через деньги. В крупных сёлах, уездных городках умельцы чаще объединялись в артели. Продукция артельного производства, как правило, была лучшего качества и стоила меньше. Это объяснялось тем, что в артели существовало разделение труда, кроме того, артель могла позволить себе покупку необходимого оборудования, что облегчало ручной труд, и закупку сырья оптом. Именно из артелей и возникли на Руси первые промышленные производства. Впоследствии практически все промыслы и ремёсла на Руси эволюционировали в промышленность за исключением некоторых художественных промыслов, где индивидуальное мастерство имеет основополагающее значение.
«ЦВЕТУЩИЕ» ПОДНОСЫ
В середине XVIII века на Урале, где находились металлургические заводы Демидовых, зародился новый вид промысла. Местные мастера из Нижнего Тагила, Невьянска и Выйска стали расписывать металлические подносы. Так появились так называемые тагильские подносы. Промышленники Демидовы, курировавшие этот промысел, весьма заботились о качестве и художественной ценности изделий. С целью обучения и подготовки профессиональных кадров они основали в 1806 году школу. Исторический стиль тагильских подносов был создан благодаря этой школе и самому авторитетному ее преподавателю — выпускнику Императорской Академии художеств В.И. Албычеву. Расписные тагильские подносы продавались по всей стране. Подобные изделия стали пытаться производить и в других местах. Самой удачной такой попыткой стала организация производства расписных подносов в деревне Жостово Московской губернии. Первую «лакерную мастерскую» открыл здесь крепостной графа Шереметьева Филипп Вишняков в начале XIX века. Сначала здесь расписывали изделия из папье-маше (кошельки, портсигары, табакерки), а к 30-м годам позапрошлого века сразу несколько местных мастерских стали выпускать металлические кованые подносы.
Их украшали особой росписью: букетами полевых и садовых цветов, словно подсвеченных изнутри, и мелким золотым орнаментом по краю. С тех пор этот вид промысла получил наименование «жостовская роспись». В годы Великой Отечественной войны главные силы артели бросили на производство печек-буржуек. Но мастера не оставили кисть, дабы не утратить роспись. Весь металл шел на нужды фронта, но в мастерской рисовали на банках из-под тушенки и переплавляли и расписывали… детские ведерки.
В Музее подносов гости украшают металлические заготовки сами. После сушки в специальной печи и нанесения лака изделия можно забрать домой.
ОГНЕННАЯ, ПЛАМЕННАЯ, ЯРКАЯ Нижегородские леса в ХVII веке служили пристанищем для старообрядцев. В их числе были мастера-иконописцы. Именно они, по преданиям, и подсказали крестьянам технику росписи, ставшей впоследствии хохломой. Получила свое имя хохлома от названия торговой деревни, где продавали расписную посуду. Промысел возник после освобождения от татаро-монгольского ига. Захватчики опустошили земли, и жители разграбленных деревень кормились продажей расписных изделий.
Своим развитием хохлома обязана монастырям. В старину олово стоило дорого. Вот и работали по подряду в святых обителях. Лишь для Троице-Сергиевой лавры посуду делали жители 80 деревень. По Волге отправляли хохлому в далекие страны. Расписную посуду охотно покупали в Персии, Индии, Средней Азии. На Всемирной выставке 1889 года хохломская роспись покорила Париж. Начиная с XIX века, одним из самых узнаваемых и популярных товаров была хохломская ложка. Предприимчивые немцы пытались наладить свое производство, но качеством их изделия не вышли. В 1912 году из Одесского порта отправилась по свету плавучая выставка хохломской посуды. Добралась до Ливана, Египта, Турции. Тогда же открылись первые международные представительства по продаже изделий русского промысла — в Париже и Варшаве.
Город Семёнов был официально признан столицей художественных промыслов, и именно там проходит Международный фестиваль народных промыслов «Золотая хохлома».
ГОРОДЕЦКАЯ РОСПИСЬ появилась в середине XIX века в районе старинного города Городца Нижегородской губернии. Городецкая роспись является яркой и лаконичной. Основными темами росписи являются сцены из сказок, фигурки коней, птиц, цветы, крестьянский и купеческий быт. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой. Городецкой росписью украшали прялки, мебель, ставни, двери, сундуки, дуги, сани, детские игрушки.
УРАЛЬСКИЙ МАЛАХИТ
Широкую известность за пределами России малахит получил благодаря заказам Всемирной выставки в Лондоне в 1851 году, подготовленной А.Н. Демидовым. Благодаря Демидовым с 1830-х годов малахит начинают использовать как материал для архитектурной отделки: первый малахитовый зал был создан по заказу П.Н. Демидова архитектором О. Монферраном в особняке в Санкт-Петербурге на ул. Б. Морская, 43. Роскошные интерьерные работы с малахитом были выполнены в Исаакиевском соборе. Также малахит используют для изготовления ювелирных украшений. Техника облицовки малахитом называется «русская мозаика». В ее основе лежит принцип, который использовался европейскими мастерами для снижения стоимости изделий из лазурита еще в XVII веке: тонко напиленными пластинками камня покрывают поверхность предмета из металла или дешевого камня. Так создается иллюзия резьбы из монолита.
ГУСЕВСКОЙ ХРУСТАЛЬ
Когда на строительство в Подмосковье стекольных мануфактур был наложен запрет из-за чрезмерной вырубки лесов, в поселке Гусь на одноименной реке был построен первый хрустальный завод, мастеров для которого специально привезли из Можайска. Так началась история не просто производства, но целого народного промысла, процветающего и по сей день.
ВАРНАВИНСКАЯ РЕЗЬБА ПО КОСТИ
В качестве основного сырья мастера используют трубчатую кость крупного рогатого скота — «цевку» и рог. Для изготовления дорогих видов изделий используются более редкие и ценные виды кости мамонта и моржа. Варнавинская резьба по кости применяется, главным образом, при изготовлении женских украшений, шкатулок, ларцов, авторучек, декоративной посуды и других сувениров. Особенность таких изделий заключается в абсолютной неповторимости и индивидуальности. Каждый предмет выполняется вручную, без каких-либо шаблонов и штампов.
АБРАМЦЕВО-КУДРИНСКАЯ РЕЗЬБА
С помощью этой техники делали ковши, блюда, вазы и шкатулки. Особенность этих изделий состоит в преобладании различных завитков, розеток, веточек, тонировки и полировки дерева. Расцвет этого промысла приходится на советский период времени — 20-40-е годы. Заказы работникам кудринской артели «Возрождение» поступали даже от Третьяковской галереи. Исторические и современные изделия, сделанные в стиле абрамцево-кудринской резьбы, были представлены на международной выставке в Париже в 1937 году. После распада СССР фабрика кудринской резьбы была закрыта. Сегодня промысел сохраняется благодаря работе частных мастеров.
ОГНЕННОЕ ПИСЬМО
Искусство финифти — украшения эмалью — зародилось несколько тысяч лет назад на Востоке. На Русь финифть пришла из Византии в X веке, где ее называли «огненным письмом». Русские ювелиры освоили новую технику и стали украшать ею иконы, церковную утварь и оклады религиозных книг. Позднее московские мастера декорировали эмалями небольшие бытовые предметы: статуэтки и шкатулки, ручки и чернильницы, часы, табакерки и столовые приборы. Несведущие люди считали, что финифть производят из расплавленных драгоценных камней, настолько красивой и яркой она была. В XVII веке технологию значительно усовершенствовал французский ювелир Жан Тутен, он открыл секрет полупрозрачных огнеупорных красок. С тех пор процесс состоял из трех этапов: сначала мастер готовил белую эмалевую основу, затем наносил рисунок и вставлял изделие в оправу. Пластину для основы вырезали из листа металла. Использовали медь, бронзу, латунь, серебро или золото. В таком виде заготовка попадала к художнику. На выпуклой стеклянной части он изображал миниатюры и орнаменты. Каждый слой краски закаляли при температуре около 700–800 градусов. Краски в печи плавились, получалась блестящая глянцевая поверхность, которая не нуждалась в дополнительном закреплении. Технология требовала мастерства: исправить нанесенный на эмаль рисунок нельзя, одно неверное движение кисти могло испортить всю работу. А сами пигменты в печи меняли цвет — если ошибиться с температурой и временем обжига, замысел художника мог не воплотиться. Готовую финифть вставляли в оправу из серебра или другого металла. В XVII веке производство эмалей наладили мастера из города Усолье (сегодня — Сольвычегодск), а затем ремесло пришло в Вологду. Михаил Ломоносов внес вклад в развитие эмальерного дела: по его инициативе построили стеклодельный завод, стекло использовали как основу для красок. В Академии художеств в Петербурге был основан класс «живописи по финифти», в котором учились будущие художники. Во многом, направление искусства стало популярным благодаря мастерству эмальеров из Ростова Великого, в те годы — духовного центра страны. В ростовские старинные церкви и монастыри приезжали паломники из далеких уголков России, каждый из них хотел увезти с собой памятную вещь. Небольшие и яркие финифтевые иконки, в отличие от образов из драгоценных металлов, стоили недорого и массово продавались в церковных лавках. Со временем Ростов стал снабжать финифтью монастыри по всей стране, яркие иконки пользовались спросом у народа.
К началу ХХ века ростовская финифть пользовалась все меньшим спросом. Новые технологии делали производство эмалей экономически невыгодным. Снова интерес к ростовской финифти появился уже при советской власти.
Рядом с традиционными орнаментами появились пятиконечная звезда, ленты, колосья с серпом и молотом, лозунги нового советского государства. В промысле наметились два основных направления: цветочные мотивы на ювелирных изделиях и портретная живопись. В послевоенный период мастеров ростовской финифти осталось мало, они расписывали в основном броши и шкатулки. Сегодня промысел финифти в Ростове Ярославской области по-прежнему развивается. В городе работает несколько творческих объединений и фабрика, здесь выпускают иконы, ювелирные изделия, столовые приборы.
ОТ ИКОНЫ — К ШКАТУЛКЕ
Палех. Название, прославленное на весь мир мастерством художников, не всегда ассоциировалось с красочными шкатулками. По преданию, в леса на берегу речки Палешки бежали иконописцы из Владимира и Суздаля. На месте выжженного леса осели и построились, основав на территории Вязниковского уезда Владимирской губернии село. Жили в селе обособленно, торговцы практически не захаживали. Так иконописцы сохраняли из поколения в поколение свои традиции. Лишь в середине XVII века молва о палехских мастерах добралась до Москвы. А уж затем и сами художники оказались в Белокаменной. Палешане приложили свое мастерство в Грановитой палате Московского Кремля, Троице-Сергиевой лавре и в Новодевичьем монастыре.
В 1814 году выказывал особый интерес к работам русских иконописцев Иоганн Гёте. Немецкий поэт даже получил от владимирского губернатора в подарок две иконы, написанные в Палехе, — «Двунадесятые праздники» и «Богоматерь». После Октябрьской революции художникам пришлось оставить на долгое время библейские образы в поисках других тем. Тогда появился современный палехский стиль и шкатулки из папье-маше по подобию Федоскинских. Расписывали коробочки и ларчики бывшие иконописцы сюжетами из народных сказок, жанровыми сценками, картинками деревенского быта и пейзажами. Первые же работы палехских иконописцев в новом жанре лаковой миниатюры получили диплом первой степени на выставке Академии художественных наук. В 1924 году палехские шкатулки произвели фурор на Венецианском художественном вернисаже. Итальянцы даже попросили прислать мастеров для организации школы. Художники покидать Россию отказались.
В том же 1924 году при поддержке искусствоведа и профессора Анатолия Бакушинского была образована «Артель древней живописи». А уже через год после образования артели на Всемирной выставке в Париже палехская роспись получила золотую медаль. Почетным членом объединения стал Максим Горький, который поддерживал художников. Мастера расписывали ларцы, шкатулки, чайницы, табакерки и пудреницы. Сначала заготовки закупали в Федоскино, но вскоре наладили свое производство. В 1930-м большая выставка палехской миниатюры прошла в Государственном Русском музее. Работы палехских мастеров стали статьей экспорта. Расписные шкатулки покупал Внешторг и продавал за валюту. Издавна в Палехе писали темперой. Делали краску дедовским способом — на яичном желтке. Добиваясь «глубины, светоносности и стойкости». Разводили столовым уксусом или квасом. Кисти палехских художников — ручной работы. Магазинные, даже беличьи — слишком непослушные. Так что и современные мастера, даже покупая готовые краски, кисти все же собирают вручную — волосок к волоску. Для работы с листовым золотом мастера используют специальную кисть — лампемзель, изготовленную из кончика беличьего хвоста.
ГЖЕЛЬ Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжельский куст – подмосковный район из 27 деревень, который славится своими глинами. Ныне город Гжель находится на территории Раменского района Московской области.
Уже с XVII века Гжель является известнейшим центром изготовления фарфора и керамики. В XIX веке гжельские мастера стали выпускали полуфаянс, фаянс и фарфор. Особый интерес до сих пор представляют изделия, расписанные в один цвет — синей надглазурной краской, наносимой кистью, с графической прорисовкой деталей.
ПАВЛОВО-ПОСАДСКИЕ ШАЛИ В середине XIX века на крестьянском предприятии села Павлово, из которого впоследствии развилась платочная мануфактура, стали производить шерстяные платки с так называемым набивным рисунком, который наносился на ткань при помощи форм с рельефным узором. Павлопосадские платки — это изделия традиционно черного или красного цвета с объемным цветочным узором. Мастерицы отдают предпочтение изображениям садовых цветов, прежде всего розам и георгинам.
До 1970-х годов рисунок наносили на ткань деревянными резными формами: контур рисунка — досками-«манерами», сам рисунок — «цветами». Создание платка требовало до 400 наложений. С 1970-х годов краску наносят на ткань с помощью шелковых и капроновых сетчатых шаблонов. Это позволяет увеличить количество цветов, изящность рисунка и повышает качество производства.
ЗАСТЫВШИЕ ПЕСНИ КРУЖЕВ Русское кружево не шьют и не вяжут — его плетут коклюшками. Кружевницы обычно работали под песню. Задушевная мелодия, ритмичный перезвон коклюшек звучали как бы в унисон рождающемуся узору. Историки отмечают, что ни в одной стране мира не было столь разнообразных кружев, как в России. Многие годы в основе кружевного производства в России был бесплатный крестьянский труд в усадьбах помещиков. А после отмены крепостного права это мастерство стало приходить в упадок.
Ученицы Мариинской школы даже придумали особый вид кружева. В начале 20-го века для крестьян кружево было способом заработка, а для государства — постоянной статьёй экспорта.
НЕТАЮЩИЙ ИНЕЙ ВОЛОГОДСКОГО КРУЖЕВА
Как отдельное ремесло со своими характерными чертами вологодское кружево было известно уже в XVII-XVIII веках. Однако до XIX века кружевоплетение было домашним ремеслом. С увеличением популярности вологодского кружева производство изделий поставили на поток. В XIX веке в окрестностях Вологды появились кружевные фабрики. Расцвет промысла совпал с отменой крепостного права. Ремесло недорогое. Валик, коклюшки и станок стоили дореволюционные 1 рубль 50 копеек. Зарабатывали кружевницы до 20 рублей в год, но проводили за коклюшками по 16 часов в день. Вологодское кружево плетется на деревянных палочках, коклюшках. Все изображения выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине, плавно извивающейся полотняной тесьмой. Они чётко вырисовываются на фоне узорных решёток, украшенных элементами в виде звёздочек и розеток.
ЕЛЕЦКОЕ КРУЖЕВО
ВЯТСКОЕ КРУЖЕВО
Наиболее интересные изделия из вятского кружева были созданы в советское время. Эти достижения связаны с именем знаменитой художницы-кружевницы, лауреатом Государственной премии России имени Репина Анфисой Фёдоровной Блиновой. Её работы находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Российском художественном фонде, Московском НИИ художественной промышленности. В условиях экономического кризиса 90-х годов XX века кружевная фабрика, расположенная в городе Советске (бывшая слобода Кукарка), была закрыта. Только в 2012 году в городе был создан производственный кооператив-артель «Кукарское кружево», возрождающий традиции старинного ремесла.
МИХАЙЛОВСКОЕ КРУЖЕВО
В старину Михайловские мастерицы делали только «численное» кружево. Это значит, что плели его не по заранее заготовленным рисункам — сколкам, а по памяти — считая число переплетений. На давнюю традицию указывает и отсутствие чересчур сложных узоров. Орнамент геометрический: сочетание прямоугольников, полосок, треугольных «мысов» и веерообразных «бубенцов». Нити брали всего трех цветов — белые, красные и синие, однако так умело сочетали их, что каждое произведение смотрелось по-своему. Для современного Михайловского кружева характерны более сложные по сравнению со старинным кружевом орнаменты, а также новые цвета – жёлтый, зелёный, чёрный. Михайловское кружево органично вписывалось в красочный крестьянский костюм. Не только рязанцы — жители почти всей срединной России украшали ими свою одежду Например, рубахи — и мужские и женские. Обшивали также полотенца, простыни, подзоры.
В древности кружева ценили на вес золота: один грамм золота приравнивали к одному грамму кружева. В наше время художники и мастера по-прежнему создают шедевры, которые являются «золотым запасом» современной русской культуры.
ШЕМОГОДСКАЯ ПРОРЕЗНАЯ БЕРЕСТА Особую популярность получила шемогодская прорезная береста, которая берет свое начало в Вологодской области.
Вологодские мастера изготавливают разнообразные корзинки, посуду, туеса, украшения и даже обувь и одежду. Особенность этих изделий заключается в том, что с традиционным узором переплетается естественный растительный орнамент, листья и ягоды, цветы и стебли, животные и люди. Традиционные узоры Шемогодской прорезной бересты гравируются на листах бересты тупым шилом и прорезаются острым ножом с удалением фона. Под ажур иногда подкладывается цветная бумага или еще один слой бересты; резьба дополняется тиснением. В XIX веке эти изделия прозвали «берестяным кружевом». В советское время изделия из шемогодской прорезной бересты считались символом русского леса и пользовались спросом среди иностранцев. Тогда же был организован цех резьбы по бересте при Шемогодском мебельном комбинате (Вологодская область). И в наши дни ни одна русская ярмарка не обходится без берестяной посуды.
ОРЕНБУРГСКИЙ ПУХОВЫЙ ПЛАТОК Оренбургский пуховый платок — вязаный платок из уникального пуха оренбургских коз, нанесенного на специальную основу (х/б, шелк или другой материал). Этот промысел возник в Оренбургской губернии в XVIII веке. Изделия являются очень тонкими, как паутинки, но при этом имеют сложный узор и используются как украшение. Тонкость изделия нередко определяют по двум параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце.
В середине XIX века пуховые платки были представлены на выставках в странах Европы, где получили международное признание. Принимались неоднократные попытки, в том числе и за рубежом, открыть производства подобного пуха для нужды легкой промышленности. Однако они не увенчались успехом. Выяснилось, что для получения такого тонкого и теплого пуха у коз необходимы довольно суровые климатические условия и определенное питание, совокупность которых возможны лишь на территории Оренбургского края.
КОРОВИНСКАЯ ПОСУДА Мастера гончарного промысла из села Коровино (Владимирская область) использовали для работы местную глину — белую и красную. Керамику особым образом обжигали, а потом покрывали цветной контрастной глазурью.
По старинным технологиям изготавливают здесь керамику и сегодня. Мастера сами заготавливают глину. Сначала она хранится в специальных ямах и «дозревает» на солнце. Потом в нее добавляют воду и готовят «глиняное тесто». Вылепленную посуду мастера сушат, потом обжигают и украшают цветной или прозрачной глазурью. Мастера могут покрыть все изделие целиком, расписать его или декорировать «под мрамор», смешивая несколько цветов.
ФИЛИГРАНЬ
Филигрань (или скань) — ювелирный промысел, использующий ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной и т.д. проволоки. Часто филигрань сочетают с зернью — металлическими мелкими шариками, которые напаиваются в заранее подготовленные углубления. Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают изысканный вид. Материалами для филигранных изделий служат сплавы золота, серебра и платины, а также медь, латунь, мельхиор, нейзильбер. Часто филигрань сочетают с эмалью (в том числе финифтью), гравировкой, чеканкой. Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. Одновременно получили большое распространение небольшие серебряные вещи: вазочки, солонки, шкатулки. С XIX века изделия из филиграни уже выпускались фабриками в больших количествах. Это и дорогая посуда, и церковная утварь и многое другое. Центрами сканного дела сегодня являются: Село Казаково Вачского района Нижегородской области, где располагается предприятие художественных изделий, которое производит уникальную ювелирную продукцию в древнейшей технике художественной обработки металла — скань. Поселок Красное-на-Волге Костромской области, тут находится Красносельское училище художественной обработки металлов, главной задачей которого является сохранение традиционного красносельского ювелирного промысла — скань, эмаль, чеканка. Город Павлово Нижегородской области, где расположен техникум народных художественных промыслов России.
КРЕСТЕЦКАЯ СТРОЧКА (или крестецкая вышивка) — народный промысел, развивавшийся с 1860-х годов в Крестецком уезде Новгородской губернии. Крестецкая строчка — это наиболее трудоемкая и сложная в технике исполнения строчевая вышивка. Вышивка выполнялась на ткани изо льна, причем нити, основы и утка подрезались и выдёргивались из ткани, образуя просветы, наподобие сетки. Эта ткань и использовалась для создания разнообразных узоров и вышивок.
СВИСТУЛЬКИ ДЛЯ «СВИСТОПЛЯСКИ» Больше 400 лет назад в слободе Дымково (сегодня — микрорайон города Кирова) появились первые обрядовые игрушки — свистульки. Их изготавливали из красной глины и речного песка к весеннему празднику «свистопляски». Так в Дымково зародился один из самых старинных художественных промыслов России.
В наши дни народное искусство не исчезло, оно во многом перешло в другую сферу, появилось и определение: декоративно-прикладное искусство. Слово «декор» — означает «украшаю». Основа декора — узор, орнамент. Прикладное — предмет должен иметь свое назначение. И, возможно, некоторые предметы теряют уже свою утилитарность, но при этом приобретают новое звучание — украшают быт и радуют глаз, наполняя наш мир красотой и гармонией.
МИР КНИГ Библиотека Псебай-2
СТАРИННЫЕ РЕМЕСЛА РОССИИ
Народные промыслы — это именно то, что делает нашу культуру богатой и неповторимой. Расписные предметы, игрушки и изделия из ткани увозят с собой иностранные туристы в память о нашей стране. Почти каждый уголок России имеет собственный вид рукоделия, и мы постараемся рассказать о самых ярких и известных из них.
Навыки ремёсел и промыслов передавались из поколения в поколение, оттачивались, постепенно достигая оптимального состояния для получения недорогой продукции, приемлемого для нужд местных потребителей.
Деревни дореволюционной Руси и до периода «укрупнения» послевоенного периода ХХ-го века, были часто совсем небольшими. 5-10 дворов — уже деревня. При таком расселении типичным было развитие промыслов и ремёсел «по деревням». То есть в одном поселении жили гончары, в другом плотники, в третьем портные и так далее. А обмен продукцией производился на ближайшем рынке натуральным образом или через деньги.
В крупных сёлах, уездных городках умельцы чаще объединялись в артели. Продукция артельного производства, как правило, была лучшего качества и стоила меньше. Это объяснялось тем, что в артели существовало разделение труда, кроме того, артель могла позволить себе покупку необходимого оборудования, что облегчало ручной труд, и закупку сырья оптом. Именно из артелей и возникли на Руси первые промышленные производства. Впоследствии практически все промыслы и ремёсла на Руси эволюционировали в промышленность за исключением некоторых художественных промыслов, где индивидуальное мастерство имеет основополагающее значение.
«ЦВЕТУЩИЕ» ПОДНОСЫ
Расписные тагильские подносы продавались по всей стране. Подобные изделия стали пытаться производить и в других местах. Самой удачной такой попыткой стала организация производства расписных подносов в деревне Жостово Московской губернии. Первую «лакерную мастерскую» открыл здесь крепостной графа Шереметьева Филипп Вишняков в начале XIX века. Сначала здесь расписывали изделия из папье-маше (кошельки, портсигары, табакерки), а к 30-м годам позапрошлого века сразу несколько местных мастерских стали выпускать металлические кованые подносы.
В годы Великой Отечественной войны главные силы артели бросили на производство печек-буржуек. Но мастера не оставили кисть, дабы не утратить роспись. Весь металл шел на нужды фронта, но в мастерской рисовали на банках из-под тушенки и переплавляли и расписывали… детские ведерки.
ОГНЕННАЯ, ПЛАМЕННАЯ, ЯРКАЯ
Нижегородские леса в ХVII веке служили пристанищем для старообрядцев. В их числе были мастера-иконописцы. Именно они, по преданиям, и подсказали крестьянам технику росписи, ставшей впоследствии хохломой.
Получила свое имя хохлома от названия торговой деревни, где продавали расписную посуду. Промысел возник после освобождения от татаро-монгольского ига. Захватчики опустошили земли, и жители разграбленных деревень кормились продажей расписных изделий.
По Волге отправляли хохлому в далекие страны. Расписную посуду охотно покупали в Персии, Индии, Средней Азии. На Всемирной выставке 1889 года хохломская роспись покорила Париж.
Начиная с XIX века, одним из самых узнаваемых и популярных товаров была хохломская ложка. Предприимчивые немцы пытались наладить свое производство, но качеством их изделия не вышли.
В 1912 году из Одесского порта отправилась по свету плавучая выставка хохломской посуды. Добралась до Ливана, Египта, Турции. Тогда же открылись первые международные представительства по продаже изделий русского промысла — в Париже и Варшаве.
ГОРОДЕЦКАЯ РОСПИСЬ появилась в середине XIX века в районе старинного города Городца Нижегородской губернии.
Городецкая роспись является яркой и лаконичной. Основными темами росписи являются сцены из сказок, фигурки коней, птиц, цветы, крестьянский и купеческий быт. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой. Городецкой росписью украшали прялки, мебель, ставни, двери, сундуки, дуги, сани, детские игрушки.
УРАЛЬСКИЙ МАЛАХИТ
Техника облицовки малахитом называется «русская мозаика». В ее основе лежит принцип, который использовался европейскими мастерами для снижения стоимости изделий из лазурита еще в XVII веке: тонко напиленными пластинками камня покрывают поверхность предмета из металла или дешевого камня. Так создается иллюзия резьбы из монолита.
ГУСЕВСКОЙ ХРУСТАЛЬ
ВАРНАВИНСКАЯ РЕЗЬБА ПО КОСТИ
Варнавинская резьба по кости применяется, главным образом, при изготовлении женских украшений, шкатулок, ларцов, авторучек, декоративной посуды и других сувениров. Особенность таких изделий заключается в абсолютной неповторимости и индивидуальности. Каждый предмет выполняется вручную, без каких-либо шаблонов и штампов.
АБРАМЦЕВО-КУДРИНСКАЯ РЕЗЬБА
Расцвет этого промысла приходится на советский период времени — 20-40-е годы. Заказы работникам кудринской артели «Возрождение» поступали даже от Третьяковской галереи. Исторические и современные изделия, сделанные в стиле абрамцево-кудринской резьбы, были представлены на международной выставке в Париже в 1937 году. После распада СССР фабрика кудринской резьбы была закрыта. Сегодня промысел сохраняется благодаря работе частных мастеров.
ОГНЕННОЕ ПИСЬМО
В XVII веке технологию значительно усовершенствовал французский ювелир Жан Тутен, он открыл секрет полупрозрачных огнеупорных красок. С тех пор процесс состоял из трех этапов: сначала мастер готовил белую эмалевую основу, затем наносил рисунок и вставлял изделие в оправу. Пластину для основы вырезали из листа металла. Использовали медь, бронзу, латунь, серебро или золото. В таком виде заготовка попадала к художнику. На выпуклой стеклянной части он изображал миниатюры и орнаменты. Каждый слой краски закаляли при температуре около 700–800 градусов. Краски в печи плавились, получалась блестящая глянцевая поверхность, которая не нуждалась в дополнительном закреплении.
Технология требовала мастерства: исправить нанесенный на эмаль рисунок нельзя, одно неверное движение кисти могло испортить всю работу. А сами пигменты в печи меняли цвет — если ошибиться с температурой и временем обжига, замысел художника мог не воплотиться. Готовую финифть вставляли в оправу из серебра или другого металла.
В XVII веке производство эмалей наладили мастера из города Усолье (сегодня — Сольвычегодск), а затем ремесло пришло в Вологду. Михаил Ломоносов внес вклад в развитие эмальерного дела: по его инициативе построили стеклодельный завод, стекло использовали как основу для красок. В Академии художеств в Петербурге был основан класс «живописи по финифти», в котором учились будущие художники.
Во многом, направление искусства стало популярным благодаря мастерству эмальеров из Ростова Великого, в те годы — духовного центра страны. В ростовские старинные церкви и монастыри приезжали паломники из далеких уголков России, каждый из них хотел увезти с собой памятную вещь. Небольшие и яркие финифтевые иконки, в отличие от образов из драгоценных металлов, стоили недорого и массово продавались в церковных лавках.
Со временем Ростов стал снабжать финифтью монастыри по всей стране, яркие иконки пользовались спросом у народа.
Сегодня промысел финифти в Ростове Ярославской области по-прежнему развивается. В городе работает несколько творческих объединений и фабрика, здесь выпускают иконы, ювелирные изделия, столовые приборы.
ОТ ИКОНЫ — К ШКАТУЛКЕ
После Октябрьской революции художникам пришлось оставить на долгое время библейские образы в поисках других тем. Тогда появился современный палехский стиль и шкатулки из папье-маше по подобию Федоскинских. Расписывали коробочки и ларчики бывшие иконописцы сюжетами из народных сказок, жанровыми сценками, картинками деревенского быта и пейзажами.
Первые же работы палехских иконописцев в новом жанре лаковой миниатюры получили диплом первой степени на выставке Академии художественных наук. В 1924 году палехские шкатулки произвели фурор на Венецианском художественном вернисаже. Итальянцы даже попросили прислать мастеров для организации школы. Художники покидать Россию отказались.
В 1930-м большая выставка палехской миниатюры прошла в Государственном Русском музее. Работы палехских мастеров стали статьей экспорта. Расписные шкатулки покупал Внешторг и продавал за валюту.
Издавна в Палехе писали темперой. Делали краску дедовским способом — на яичном желтке. Добиваясь «глубины, светоносности и стойкости». Разводили столовым уксусом или квасом. Кисти палехских художников — ручной работы. Магазинные, даже беличьи — слишком непослушные. Так что и современные мастера, даже покупая готовые краски, кисти все же собирают вручную — волосок к волоску. Для работы с листовым золотом мастера используют специальную кисть — лампемзель, изготовленную из кончика беличьего хвоста.
ГЖЕЛЬ
Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжельский куст – подмосковный район из 27 деревень, который славится своими глинами. Ныне город Гжель находится на территории Раменского района Московской области.
ПАВЛОВО-ПОСАДСКИЕ ШАЛИ
В середине XIX века на крестьянском предприятии села Павлово, из которого впоследствии развилась платочная мануфактура, стали производить шерстяные платки с так называемым набивным рисунком, который наносился на ткань при помощи форм с рельефным узором. Павлопосадские платки — это изделия традиционно черного или красного цвета с объемным цветочным узором. Мастерицы отдают предпочтение изображениям садовых цветов, прежде всего розам и георгинам.
ЗАСТЫВШИЕ ПЕСНИ КРУЖЕВ
Русское кружево не шьют и не вяжут — его плетут коклюшками. Кружевницы обычно работали под песню. Задушевная мелодия, ритмичный перезвон коклюшек звучали как бы в унисон рождающемуся узору.
Историки отмечают, что ни в одной стране мира не было столь разнообразных кружев, как в России. Многие годы в основе кружевного производства в России был бесплатный крестьянский труд в усадьбах помещиков. А после отмены крепостного права это мастерство стало приходить в упадок.
НЕТАЮЩИЙ ИНЕЙ ВОЛОГОДСКОГО КРУЖЕВА
Расцвет промысла совпал с отменой крепостного права. Ремесло недорогое. Валик, коклюшки и станок стоили дореволюционные 1 рубль 50 копеек. Зарабатывали кружевницы до 20 рублей в год, но проводили за коклюшками по 16 часов в день.
Вологодское кружево плетется на деревянных палочках, коклюшках. Все изображения выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине, плавно извивающейся полотняной тесьмой. Они чётко вырисовываются на фоне узорных решёток, украшенных элементами в виде звёздочек и розеток.
ЕЛЕЦКОЕ КРУЖЕВО
ВЯТСКОЕ КРУЖЕВО
В условиях экономического кризиса 90-х годов XX века кружевная фабрика, расположенная в городе Советске (бывшая слобода Кукарка), была закрыта. Только в 2012 году в городе был создан производственный кооператив-артель «Кукарское кружево», возрождающий традиции старинного ремесла.
МИХАЙЛОВСКОЕ КРУЖЕВО
Михайловское кружево органично вписывалось в красочный крестьянский костюм. Не только рязанцы — жители почти всей срединной России украшали ими свою одежду Например, рубахи — и мужские и женские. Обшивали также полотенца, простыни, подзоры.
В древности кружева ценили на вес золота: один грамм золота приравнивали к одному грамму кружева. В наше время художники и мастера по-прежнему создают шедевры, которые являются «золотым запасом» современной русской культуры.
ШЕМОГОДСКАЯ ПРОРЕЗНАЯ БЕРЕСТА
Особую популярность получила шемогодская прорезная береста, которая берет свое начало в Вологодской области.
Традиционные узоры Шемогодской прорезной бересты гравируются на листах бересты тупым шилом и прорезаются острым ножом с удалением фона. Под ажур иногда подкладывается цветная бумага или еще один слой бересты; резьба дополняется тиснением. В XIX веке эти изделия прозвали «берестяным кружевом».
В советское время изделия из шемогодской прорезной бересты считались символом русского леса и пользовались спросом среди иностранцев. Тогда же был организован цех резьбы по бересте при Шемогодском мебельном комбинате (Вологодская область). И в наши дни ни одна русская ярмарка не обходится без берестяной посуды.
ОРЕНБУРГСКИЙ ПУХОВЫЙ ПЛАТОК
Оренбургский пуховый платок — вязаный платок из уникального пуха оренбургских коз, нанесенного на специальную основу (х/б, шелк или другой материал). Этот промысел возник в Оренбургской губернии в XVIII веке. Изделия являются очень тонкими, как паутинки, но при этом имеют сложный узор и используются как украшение. Тонкость изделия нередко определяют по двум параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце.
КОРОВИНСКАЯ ПОСУДА
Мастера гончарного промысла из села Коровино (Владимирская область) использовали для работы местную глину — белую и красную. Керамику особым образом обжигали, а потом покрывали цветной контрастной глазурью.
ФИЛИГРАНЬ
Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. Одновременно получили большое распространение небольшие серебряные вещи: вазочки, солонки, шкатулки. С XIX века изделия из филиграни уже выпускались фабриками в больших количествах. Это и дорогая посуда, и церковная утварь и многое другое.
Центрами сканного дела сегодня являются:
Село Казаково Вачского района Нижегородской области, где располагается предприятие художественных изделий, которое производит уникальную ювелирную продукцию в древнейшей технике художественной обработки металла — скань.
Поселок Красное-на-Волге Костромской области, тут находится Красносельское училище художественной обработки металлов, главной задачей которого является сохранение традиционного красносельского ювелирного промысла — скань, эмаль, чеканка.
Город Павлово Нижегородской области, где расположен техникум народных художественных промыслов России.
КРЕСТЕЦКАЯ СТРОЧКА
(или крестецкая вышивка) — народный промысел, развивавшийся с 1860-х годов в Крестецком уезде Новгородской губернии. Крестецкая строчка — это наиболее трудоемкая и сложная в технике исполнения строчевая вышивка. Вышивка выполнялась на ткани изо льна, причем нити, основы и утка подрезались и выдёргивались из ткани, образуя просветы, наподобие сетки. Эта ткань и использовалась для создания разнообразных узоров и вышивок.
СВИСТУЛЬКИ ДЛЯ «СВИСТОПЛЯСКИ»
Больше 400 лет назад в слободе Дымково (сегодня — микрорайон города Кирова) появились первые обрядовые игрушки — свистульки. Их изготавливали из красной глины и речного песка к весеннему празднику «свистопляски». Так в Дымково зародился один из самых старинных художественных промыслов России.
В наши дни народное искусство не исчезло, оно во многом перешло в другую сферу, появилось и определение: декоративно-прикладное искусство. Слово «декор» — означает «украшаю». Основа декора — узор, орнамент. Прикладное — предмет должен иметь свое назначение. И, возможно, некоторые предметы теряют уже свою утилитарность, но при этом приобретают новое звучание — украшают быт и радуют глаз, наполняя наш мир красотой и гармонией.
Источники
https://www.culture.ru
https://fishki.net
https://www.livemaster.ru
https://ruvera.ru
http://palekh.narod.ru
#библиотекаПсебай2 #изобразительное_искусство #история #культура_для_школьников #традиции #Ночь_искусств