190 лет назад родился известный американский художник XIX века ДЖЕЙМС УИСТЛЕР, гениальный тоналист
Творчество Уистлера не привязано к какой-то конкретной школе живописи, он предпочитал идти своим путем и стоял у истоков новых течений в искусстве — импрессионизма и символизма. Картины Джеймса Уистлера удивляют практически акварельной прозрачностью. Биография художника отражает его непрестанную тягу к самообновлению.
Джеймс появился на свет 11 июля 1834 года в Лоуэлле, одном из промышленных городов США, став первым ребёнком Анны Уистлер, домохозяйки, и Джорджа Вашингтона Уистлера, железнодорожного инженера. Когда ему было всего 9 лет, он оказался в России. Сюда Уистлера-старшего пригласили для строительства железной дороги между Москвой и Петербургом. Пока отец напряженно трудился, сын весело проводил самые беззаботные годы, наслаждаясь красотами Петербурга. Уистлеры жили в доме, который располагался в непосредственной близости от грандиозных архитектурных ансамблей города.
Аранжировка в сером: портрет художника. Автопортрет, ок. 1872 г. Холст, масло. Детройтский институт искусств.
Впечатлительный мальчик не терял времени даром и каждый день находил новые развлечения. Зимой это были коньки, на которых он рассекал по замерзшей Неве, а летом они вместе матерью устраивали водные прогулки в Царское село или Петергоф. Здесь Джеймс впервые увидел статую Самсона и Большой Каскад и навсегда влюбился в искусство.
Родители заметили расположенность сына к рисованию и нашли ему преподавателя, ученика Академии художеств Александра Корицкого. Тот учил ребенка рисовать, водил его в музеи и знакомил с городской архитектурой. Именно детские воспоминания о призрачно-сером Петербурге позже послужили источником вдохновения для офортов, принесших Джеймсу репутацию великого гравера. В доме Уистлеров бывал Карл Брюллов. Увлекательные споры об искусстве и невероятная концентрация прекрасного вокруг предопределили судьбу мальчика. В 11 лет он был принят в Императорскую Академию художеств, причем сразу на второй курс.
Джеймс Уистлер. Около 1847—1849 гг.
К 14 годам Уистлер убедился в правильности своего выбора и намеревался идти по намеченному пути. Но в 1849 году умер отец, и семья Уистлер вернулась в Америку. По желанию матери молодой человек на время оставил занятия рисованием и поступил в военную академию Вест-Пойнт. Он учился там до последнего курса, пока ему не исполнился 21 год. Совершеннолетие давало право распоряжаться теми небольшими деньгами, что остались в наследство от отца. К юноше там относились снисходительно, поэтому ему пришлось приложить немало усилий для отчисления. На экзамене по химии Джеймс Уистлер заявил, что кремний — газ, и это стало последней каплей. Позже живописец говорил, что если бы кремний оказался газом, то когда-нибудь он дослужился бы до генерала.
Осенью 1855 года он попросил благословения родных и уехал в Париж - художественную Мекку, где хотел в совершенстве овладеть ремеслом в живописца, даже не подозревая что больше никогда не вернется в родные края. Во Франции Уистлер учился в мастерской художника-акмеиста Глейра. Дюморье, занимавшийся вместе с Джеймсом, позднее описал его в своем романе «Трильби», как ленивого «короля бродяг». Но это было явным преувеличением, потому что Уистлер часто бывал в Лувре, где учился ремеслу на произведениях Франса Халса, Веласкеса и Рембрандта. Он не прошел мимо и провокационных полотен Гюстава Курбе, которые произвели на молодого мастера большое впечатление.
Джеймс Уистлер Портрет Уистлера в шляпе. 1857-1858 гг. Художественная галерея Фрира, Вашингтон
В 1857 году художник посещает Англию и, возвратившись в Париж, трудится над серией офортов «Темза». В конце 1862-го Уистлер вместе со своей возлюбленной Джоанной Хиффернан переселяется в Лондон. Кажется, это было ошибкой.
Когда-то Эдгар Дега назвал Джеймса самым странным человеком во французской столице, добавив: «Хорошо еще, что вы — гений». Пижон, по современным меркам — хипстер, Уистлер шокировал чопорную викторианскую публику ядовито-желтым зонтом, фиолетовыми носками и розовыми платками. Англичане его недолюбливали. Негативное отношение переносилось и на работы мастера, критики не жалели для них яростных эпитетов.
Д. Уистлер. Темза во льду. 1860 г.
С 1858 года Уистлер опубликовал «Двенадцать офортов с натуры», над которыми работал в Париже, на Рейне и в Лондоне, и офорты «Темза». Произведения, созданные в духе Рембрандта, сразу принесли Джеймсу популярность мастера художественной гравюры – направления, переживавшего до этого глубокий упадок. Но Уистлеру было принципиально важно получить одобрение от идейного наставника, господина Курбе. Это произошло после демонстрации картины «У рояля», где Джеймс изобразил свою сестру Дебору и племянницу Анни.
Джеймс Уистлер. У рояля. 1859 г.
Художник объединил тему популярных в те времена «домашних концертов» с вечной темой материнства. Для этой работы Уистлер выбрал соответствующую сдержанную цветовую гамму, тщательно выверил соотношение света и тени и выстроил композицию по классическому стандарту, где фигура матери и дочери вписываются в треугольник, вершина которого уходит за край полотна.
Гармония в зелёном и розовом. Музыкальная комната. 1861 г.
От канонов классицизма Джеймс Уистлер отошел, когда писал две свои симфонии. Художественные, разумеется. «Симфония в белом № 1. Девушка в белом» вышла, что называется, комом и вызвала у зрителей только смех. В 1863-м живописец выставляется в Салоне отверженных. Главным объектом нападок стал провокационный «Завтрак на траве» Мане, но и нашему герою за картину «Симфония в белом № 1. Девушка в белом» тоже досталось.
Джеймс Уистлер. Симфония № 1. Девушка в белом. 1862 г. Национальная галерея, Вашингтон
Но позднее несколько повзрослевший Уистлер, успевший познакомиться с культурой Страны восходящего солнца, написал картину «Симфония в белом №2. Девочка в белом». Художник изобразил не японскую искусительницу, а рыжеволосую ирландку Джо Хайфермен. Свою постоянную натурщицу Уистлер окружил экзотическими вещами – веером, китайской вазой и ветками азалии.
Джеймс Уистлер. Симфония в белом № 2. 1864 г. Галерея Тейт, Лондон
В 1866 году Джеймс Уистлер отправляется в Чили, где пишет морские пейзажи в зеленовато-синих тонах, залитые зыбким лунным светом, которые потом назовет «ноктюрнами». Мастер использовал сильно разбавленные, почти прозрачные краски.
Нюктюрн. Сольент. 1866 г.
С начала 1870-х мастер отошел от реализма, тем более что художник-реалист Курбе «увел» у Уистлера любимую музу — Джоанну Хиффернан.
Самые глубокие чувства художник вложил в «Портрет матери», который создал в 1871 году. Колорит картины складывается из «аранжировки в сером и черном», композиция построена из прямоугольников, а черное платье женщины идеально вписывается в треугольник, одна из сторон которого совпадает с диагональю картины.
Д. Уистлер. Аранжировка в сером и черном. Мать художника. 1871 г. Музей Орсе
Эта работа – бесспорное доказательство сформировавшегося мастерства Уистлера. Зрелый художник уверенно рисовал большими кистями на длинных рукоятках, а мазки наносил быстрыми движениями. В качестве палитры он использовал маленький стол, в центре которого располагал белила, левую сторону заполнял желтой краской, кадмием, светлой охрой, кобальтом и лазурью, а правую – жженой слоновьей костью, краплаком и красными красками.
Примечательно, что зеленым цветом мастер не пользовался вообще. Но всегда знал, как правильно подобрать нужный тон, и учил этому своих мастеров. Джеймс Уистлер смешивал краски и хранил готовые смеси в баночках, заполненных водой. Мастер добивался гармонии и единства, поэтому всегда работал над всей поверхностью холста и избавлялся от рисунка, если понимал, что нарушил правильный строй тонов: «Если о картине говорят: «Видно, что над ней хорошо поработали», — значит, она не закончена».
Ноктюрн в сером и золотом — Вестминстерский мост. 1874 г.
Первая персональная выставка в Англии в 1874 году не имела особого успеха. Неплохо разошлись пастели, и художник сказал: «Они не очень-то хороши, раз продаются!».
В 1877 году Джеймс Уистлер выставил в лондонской галерее Гроувнер серию ноктюрнов, выполненных в нетипичной для британского искусства того времени манере: они одинаково отличались от живописи академии и альтернативной ей эстетики прерафаэлитов. Особому осуждению критиков, среди которых наиболее резко выступил Джон Рёскин, подвергся «Ноктюрн в черном и золотом: падающая ракета» и выставленная за него цена. Признанная впоследствии одним из шедевров и лучших образчиков стиля художника, в викторианскую эпоху картина была воспринята как пощечина общественному вкусу, а автора Рёскин назвал «самодовольным скоморохом», который посмел «нагло запросить двести гиней за то, что он швырнул горшок краски в лицо публики». Художник подал иск за клевету и даже выиграл дело, однако остался почти банкротом после уплаты судебных издержек.
Д. Уистлер. Ноктюрн в черном и золотом: падающая ракета. 1875 г.
Как часть концепции «Искусство ради искусства», произведение живописи, по убеждению Уистлера, должно вызывать сложные эмоции, выходящие за узкие рамки предметности изображения. Уистлер считал, что тончайшие переживания цвета и пространства можно вызвать только нюансами и ассоциациями цвета. Но подобные подходы не означают сокрытия «правды», а наоборот, служат средством обращения к более глубоким, скрытым чувствам воспринимающего живопись зрителя. Творческие усилия художника были направлены не на точную передачу изображаемого предмета, но представляют собой попытки уловить суть нематериального, личного и интимного момента. В картинах Уистлера нет действия, но есть состояние. Уистлер говорил: "Если бы человек, рисующий только дерево, или цветок, или другой экстерьер, который он видит перед собой, был бы художником, то королём художников стал бы фотограф. Художник должен сделать что-то ещё".
По сути, «Падающая ракета» — это синтез сцены с фейерверками в Лондоне. Как и другие его ноктюрны, картина должна рассматриваться как композиция, призванная вызывать особые ощущения у зрителей.
Д. Уистлер. Перламутр и серебро: Андалусийка. 1888-1900 гг. Национальная галерея искусств, Вашингтон
В 1890 году Уистлер издает брошюру «Изящное искусство создавать себе врагов» — остроумное и саркастичное сочинение, адресованное Джону Рёскину и другим критикам, обвинявшим его картины и офорты в незавершенности, а самого художника — в профнепригодности. Самые абсурдные отзывы («в его светотени отсутствует моральная основа» или «видимо полное отсутствие умения рисовать воду») Уистлер мастерски компилирует в сатирический коллаж, высмеивая уровень тогдашней — ангажированной буржуазным вкусом и пронизанной формализмом — арт-критики.
В 1903 году, больной, он готовил масштабный ретроспективный показ своих работ. Смерть, наступившая 17 июля 1903-го, помешала осуществлению этого замысла. #ЛегендыМировойЖивописи
Paris & Ко
:Алла Зыбайло
190 лет назад родился известный американский художник XIX века ДЖЕЙМС УИСТЛЕР, гениальный тоналист
Творчество Уистлера не привязано к какой-то конкретной школе живописи, он предпочитал идти своим путем и стоял у истоков новых течений в искусстве — импрессионизма и символизма. Картины Джеймса Уистлера удивляют практически акварельной прозрачностью. Биография художника отражает его непрестанную тягу к самообновлению.Джеймс появился на свет 11 июля 1834 года в Лоуэлле, одном из промышленных городов США, став первым ребёнком Анны Уистлер, домохозяйки, и Джорджа Вашингтона Уистлера, железнодорожного инженера. Когда ему было всего 9 лет, он оказался в России. Сюда Уистлера-старшего пригласили для строительства железной дороги между Москвой и Петербургом. Пока отец напряженно трудился, сын весело проводил самые беззаботные годы, наслаждаясь красотами Петербурга. Уистлеры жили в доме, который располагался в непосредственной близости от грандиозных архитектурных ансамблей города.
Родители заметили расположенность сына к рисованию и нашли ему преподавателя, ученика Академии художеств Александра Корицкого. Тот учил ребенка рисовать, водил его в музеи и знакомил с городской архитектурой. Именно детские воспоминания о призрачно-сером Петербурге позже послужили источником вдохновения для офортов, принесших Джеймсу репутацию великого гравера. В доме Уистлеров бывал Карл Брюллов. Увлекательные споры об искусстве и невероятная концентрация прекрасного вокруг предопределили судьбу мальчика. В 11 лет он был принят в Императорскую Академию художеств, причем сразу на второй курс.
Осенью 1855 года он попросил благословения родных и уехал в Париж - художественную Мекку, где хотел в совершенстве овладеть ремеслом в живописца, даже не подозревая что больше никогда не вернется в родные края. Во Франции Уистлер учился в мастерской художника-акмеиста Глейра. Дюморье, занимавшийся вместе с Джеймсом, позднее описал его в своем романе «Трильби», как ленивого «короля бродяг». Но это было явным преувеличением, потому что Уистлер часто бывал в Лувре, где учился ремеслу на произведениях Франса Халса, Веласкеса и Рембрандта. Он не прошел мимо и провокационных полотен Гюстава Курбе, которые произвели на молодого мастера большое впечатление.
Когда-то Эдгар Дега назвал Джеймса самым странным человеком во французской столице, добавив: «Хорошо еще, что вы — гений». Пижон, по современным меркам — хипстер, Уистлер шокировал чопорную викторианскую публику ядовито-желтым зонтом, фиолетовыми носками и розовыми платками. Англичане его недолюбливали. Негативное отношение переносилось и на работы мастера, критики не жалели для них яростных эпитетов.
Самые глубокие чувства художник вложил в «Портрет матери», который создал в 1871 году. Колорит картины складывается из «аранжировки в сером и черном», композиция построена из прямоугольников, а черное платье женщины идеально вписывается в треугольник, одна из сторон которого совпадает с диагональю картины.
Примечательно, что зеленым цветом мастер не пользовался вообще. Но всегда знал, как правильно подобрать нужный тон, и учил этому своих мастеров. Джеймс Уистлер смешивал краски и хранил готовые смеси в баночках, заполненных водой. Мастер добивался гармонии и единства, поэтому всегда работал над всей поверхностью холста и избавлялся от рисунка, если понимал, что нарушил правильный строй тонов: «Если о картине говорят: «Видно, что над ней хорошо поработали», — значит, она не закончена».
В 1877 году Джеймс Уистлер выставил в лондонской галерее Гроувнер серию ноктюрнов, выполненных в нетипичной для британского искусства того времени манере: они одинаково отличались от живописи академии и альтернативной ей эстетики прерафаэлитов. Особому осуждению критиков, среди которых наиболее резко выступил Джон Рёскин, подвергся «Ноктюрн в черном и золотом: падающая ракета» и выставленная за него цена. Признанная впоследствии одним из шедевров и лучших образчиков стиля художника, в викторианскую эпоху картина была воспринята как пощечина общественному вкусу, а автора Рёскин назвал «самодовольным скоморохом», который посмел «нагло запросить двести гиней за то, что он швырнул горшок краски в лицо публики». Художник подал иск за клевету и даже выиграл дело, однако остался почти банкротом после уплаты судебных издержек.
По сути, «Падающая ракета» — это синтез сцены с фейерверками в Лондоне. Как и другие его ноктюрны, картина должна рассматриваться как композиция, призванная вызывать особые ощущения у зрителей.
В 1903 году, больной, он готовил масштабный ретроспективный показ своих работ. Смерть, наступившая 17 июля 1903-го, помешала осуществлению этого замысла.
#ЛегендыМировойЖивописи